无论是在舞台上，在坑中还是在街道上，音乐与摄影的交汇处都使音乐摄影成为最具活力和视觉吸引力的摄影类型之一。
当放大器产生共鸣时，如何捕捉声音的原始性？ 从早期的朋克和嘻哈音乐，到更具标志性的六十年代和七十年代摇滚明星和流行歌手的照片拍摄，这一直是音乐摄影师的追求。 捕捉声音是不可能的，但是捕捉感觉是另一回事……
在谈论音乐摄影时，还必须考虑亚文化身份及其视觉符号。 当有人说“金属”时，几乎立即想到的事情很少。 当然是音乐，然后是衣服，黑色的宽松长裤和连帽衫，长长的头发，胡须和穿孔。 嘻哈音乐，朋克音乐，摇滚音乐以及几乎所有其他音乐类型都可以这样说。
人们为自己创造的身份（至少在20世纪后期与音乐保持一致）一直是许多摄影师的主题。 德里克·里奇斯（Derek Ridgers）从詹姆斯·布朗（James Brown）到尼克·凯夫（Nick Cave）拍照的人，都以他的开创性项目“光头党”（Skinheads）出名，该项目的重点是在70年代末80年代初在英国撒切尔时代备受争议的青年崇拜者。
他在朋克和铁杆音乐之后留下刺青和剃光头的年轻人的惊人影像中谈到了叛乱，但也隐含着政治色彩。 他的作品标志着近代英国历史上的重要时期，并从不满年轻人的角度审视了撒切尔夫人在紧缩政策下的复杂性。 他的作品后来被莫里西（Morrissey）认可，并用来促进 您的阿森纳之旅.
同样，格雷姆·奥克斯比（Graeme Oxby）一直在描绘着全世界对猫王的痴迷，而歌迷们的距离越来越接近他们的偶像。 他的项目 英格兰国王 跟随猫王模仿者，在国王的帮助下过着单调的生活。
Oxby的作品是对这些Elvis超级粉丝的竞赛之作，他们在这里竞争工作，在当地城镇表演并在卧室唱歌。 通过不关注艺术家本人，而是关注粉丝及其与音乐家的关系，可以收集音乐对数十个人的文化影响。
在世界的另一端，马里摄影师马里克·西迪贝（MalickSidibé）的作品捕捉了1960年代欣喜若狂的时代精神，紧抓巴马科，当时法国殖民统治在马里结束。 当国家经历了深刻的变化时，年轻人自然地对此做出了反应，通过拥抱音乐和时尚作为表达手段摆脱了束缚。
西迪贝声称 “我们正在进入一个新时代，人们想跳舞。 音乐解放了我们。 突然之间，年轻男人会接近年轻女人，将它们握在手中。 以前，这是不允许的。 每个人都希望被拍到近距离跳舞的照片。” 他的标志性照片是1963年除夕在俱乐部里跳舞的一对夫妇，是一个纯粹的迷魂药的完美时刻，几乎可以听到音乐。
多乐器演奏家，音乐家兼Magnum合作伙伴Larry Towell谈到了音乐如何激发他的作品，也谈到了两种媒介之间的对比： “摄影是说明性的； 当您拍照时，您是见证人。 而作为作词家，则取决于您的想象力。 他们互相反对。 但是我根本不是一个好音乐家。 我是一个讲故事的人，作为摄影记者的经验给了我很多东西。”
Towell的摄影作品经常与两种录音一起出版，注意到这两种媒介的表达性和事实性之间的明显区别，这说明了他对某些事件的第一手经验，以及对被见证事物的感受。
“我有很多好奇心购买。 如果我喜欢专辑封面，我会购买它，如果我喜欢乐队的名称，我会购买它，这激发了我的想象力。” 布鲁斯·斯普林斯廷
此外，摄影与音乐之间的创造性协同作用一直是专辑设计的重要元素。 许多国际知名的摄影师都在音乐史上一些最具标志性的专辑的背后，这些图像仍保留在社会的集体记忆中。
从斑马线上的四个男人，到一个被火焰吞没的和尚，一条蓝色紧身牛仔裤上的拉链，一个燃烧的男人与另一个男人握手，这只是其中黑色乙烯基的视觉表现的几个例子。在一代又一代的音乐迷中留下了深刻的印象。
尽管自数字音乐的出现和在线流媒体的发展以来，专辑的格式一直在变化，并且也许失去了其作为艺术品的某些意义，但只要音乐家和摄影师继续欣赏音乐，摄影和音乐将继续相互影响。别人的手艺。 如今，许多最具标志性的专辑封面不是委托作品，而是音乐家自己筛选视觉历史的结果。
尽管音乐和照片本身可以说出来，但它们无疑会相互影响很大，并且以无限的方式相遇。
随着音乐本身的变化，摄影师有无穷的可能性以表达方式和新闻方式记录这种动荡的风景。
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