从舞台到街道，音乐和摄影的融合产生了一些真正非凡的图像。
如何捕捉放大器产生的声音的原始声音？从 60 年代和 70 年代摇滚和流行歌星的标志性镜头到早期的朋克和嘻哈音乐，这一直是几代音乐摄影师的追求。捕捉声音是不可能的，但捕捉感觉则是另一回事......
在谈论音乐摄影时，我们还必须考虑亚文化身份及其视觉符号。当有人说“金属”时，几乎立刻就会想到一些东西。
当然，有音乐，但还有衣服、黑色宽松的裤子、连帽衫、长发、胡须和穿孔。对于嘻哈、朋克、垃圾摇滚以及几乎所有其他音乐流派来说也是如此。
人们为自己创造的身份（至少在20世纪后期与音乐保持一致）一直是许多摄影师的主题。 德里克·里奇斯（Derek Ridgers）从詹姆斯·布朗（James Brown）到尼克·凯夫（Nick Cave）拍照的人，都以他的开创性项目“光头党”（Skinheads）出名，该项目的重点是在70年代末80年代初在英国撒切尔时代备受争议的青年崇拜者。
他描绘的那些追随朋克和硬核音乐的纹身和光头年轻人的引人注目的形象诉说着叛逆，但也带有微妙的政治色彩。他的作品标志着英国现代历史上的一个重要时刻，并从心怀不满的年轻人的角度审视了撒切尔夫人领导下的紧缩政策的复杂性。他的作品后来得到莫里西的认可并用于宣传 您的阿森纳之旅.
同样，格雷姆·奥克斯比（Graeme Oxby）一直在描绘着全世界对猫王的痴迷，而歌迷们的距离越来越接近他们的偶像。 他的项目 英格兰国王 跟随猫王模仿者，在国王的帮助下过着单调的生活。
Oxby的作品是对这些Elvis超级粉丝的竞赛之作，他们在这里竞争工作，在当地城镇表演并在卧室唱歌。 通过不关注艺术家本人，而是关注粉丝及其与音乐家的关系，可以收集音乐对数十个人的文化影响。
在世界的另一端，马里摄影师马里克·西迪贝（MalickSidibé）的作品捕捉了1960年代欣喜若狂的时代精神，紧抓巴马科，当时法国殖民统治在马里结束。 当国家经历了深刻的变化时，年轻人自然地对此做出了反应，通过拥抱音乐和时尚作为表达手段摆脱了束缚。
西迪贝声称 “我们正在进入一个新时代，人们想跳舞。 音乐解放了我们。 突然之间，年轻男人会接近年轻女人，将它们握在手中。 以前，这是不允许的。 每个人都希望被拍到近距离跳舞的照片。” 他的标志性照片是1963年除夕在俱乐部里跳舞的一对夫妇，是一个纯粹的迷魂药的完美时刻，几乎可以听到音乐。
同一时期，罗伊·德卡拉瓦正在记录他心爱的纽约市的生活，捕捉城市街道上的日常场景，到了晚上，他将注意力转向点燃城市地下俱乐部的爵士艺术家。
德卡拉瓦的图像以他诗意和现代主义的视觉语言转录，发表在写真集《我看到的声音》中，体现了主题的本质：自发的、主观的和迷人的。
“我有很多好奇心购买。 如果我喜欢专辑封面，我会购买它，如果我喜欢乐队的名称，我会购买它，这激发了我的想象力。” 布鲁斯·斯普林斯廷
此外，摄影与音乐之间的创造性协同作用一直是专辑设计的重要元素。 许多国际知名的摄影师都在音乐史上一些最具标志性的专辑的背后，这些图像仍保留在社会的集体记忆中。
从斑马线上的四个男人，到一个被火焰吞没的和尚，一条蓝色紧身牛仔裤上的拉链，一个燃烧的男人与另一个男人握手，这只是其中黑色乙烯基的视觉表现的几个例子。在一代又一代的音乐迷中留下了深刻的印象。
尽管自数字音乐的出现和在线流媒体的发展以来，专辑的格式一直在变化，并且也许失去了其作为艺术品的某些意义，但只要音乐家和摄影师继续欣赏音乐，摄影和音乐将继续相互影响。别人的手艺。 如今，许多最具标志性的专辑封面不是委托作品，而是音乐家自己筛选视觉历史的结果。
尽管音乐和照片本身可以说出来，但它们无疑会相互影响很大，并且以无限的方式相遇。 随着音乐本身的变化，摄影师有无限的可能性来记录这种不断变化的景观，无论是用富有表现力的还是更具新闻性的方式。
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